Description
Óleo sobre lienzo. Conserva su tela original y presenta repintes. Medidas: 103 x 75,5 cm. La expresión Asunción es significativa: se opone a la Ascensión, como lo pasivo a lo activo. Es decir, María no asciende al cielo por sus propios medios, como Cristo, sino que es elevada al Paraíso por los ángeles. El arte bizantino representa la Asunción del alma de la Virgen, recogida por Cristo en su lecho de muerte. En cambio, el arte de Occidente plasma su Asunción corporal fuera de la tumba donde los apóstoles la habían sepultado. Por lo tanto, debe distinguirse en la iconografía la Asunción del alma de la Virgen en forma de niña y la Asunción de su cuerpo glorioso, siendo la segunda la aquí representada. El modelo europeo presenta a María en actitud orante, con las manos unidas, rodeada de luz dorada, llevada por ángeles y dejando la tumba abierta a sus pies, que puede aparecer vacía o llena de lirios y rosas. A causa de una confusión iconográfica, la Asunción perderá su carácter original para convertirse en Ascensión, tal y como ocurre en esta obra. En vez de ser elevada por ángeles, la Virgen vuela sola, con los brazos extendidos; los ángeles que la rodean se limitan a formarle cortejo. Esta transformación se consumó en el arte italiano del siglo XVI, y progresivamente se extendió por el resto de Europa. Sin embargo, esta nueva fórmula no eliminó a la antigua, de la que encontramos ejemplos en el siglo XVII. Esta pintura destaca por un interés del artista en lo plástico basado en su factura y el cromatismo. Dentro de la escuela italiana, es posible que esta pieza se inscriba, por su estética, cercana a los artistas napolitanos. Debido a que el signo distintivo de la escuela napolitana ha sido siempre su fuerte carácter naturalista, su color caliente, con dominantes rojizos y castaños y el cultivo, junto con el cuadro de altar, de un tipo de pintura realista su mejor exponente. En Nápoles la influencia de José Ribera fue igual o superior a la de Caravaggio. Su naturalismo, más sensual y de materia, más vigoroso y vehemente, menos intelectual que el de éste, se hace con el tiempo permeable a las influencias venecianas y flamencas, enriqueciéndose de color y aligerándose de técnica, especialmente a partir de 1635. Sus discípulos más fieles, son la familia Fracanzano, Cesare (1600-51) y Francesco (1612-56), Bartolomeo Bassante (1614-56), Paolo Domenico Finoglia (1590-1645) y algunos otros que cultivan luego géneros especiales como Aniello Falcone (1607-56), Salvatore Rosa (1615-73) o Luca Giordano. Sin embargo, a partir de la época barroca, los colores se fueron suavizando y matizando sin optar ya tanto por el tenebrismo, pero si conservando una gran teatralidad en las representaciones.
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